Slavné šaty v malování, podle kterých lze soudit, jaká byla móda té doby

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Naposledy změněno: 2023-12-16 00:00

Od nepaměti se umění a móda navzájem ovlivňují a nutí kritiky a fashionisty pečlivě sledovat nové trendy, které se navzájem rychle nahrazují. A zatímco někteří hodnotili obraz z hlediska technických charakteristik, jiní se rozběhli ke krejčím, aby brzy dostali šaty přesně jako šaty hrdinek vyobrazených na plátnech.

1. Renesance

Renesance byla dobou kulturního a uměleckého oživení, protože klasicismus přinesl revoluční návrat do evropských společností. Toto období však také znamenalo výrazné změny v módě. Podívejte se, jak slavné šaty v obrazech ovlivnily módu během renesance.

„Portrét páru Arnolfini“od Jana van Eycka je jedním z hlavních prvků studia látky v portrétní malbě. Smaragdově zelený vlněný oděv a rukávy lemované hermelínem ukazují rodinný stav, protože tento druh látky si mohli dovolit jen bohatí. Vlna, hedvábí, samet a kožešina byly vzácné a jejich výroba byla dražší než bavlna nebo len a byly symbolem postavení a bohatství. Jednou z nejkontroverznějších otázek kolem obrazu je, zda zobrazená žena (pravděpodobně manželka Arnolfiniho) je těhotná. Renesanční sukně byly tak bujné a těžké, že je ženy zvedly, aby se snadněji pohybovaly.

Přidané křivé záhyby šatů také ukazují trend k zobrazování žen s výrazným břichem, protože naznačovaly početí dětí během manželství. Dalším příkladem je Les Très Riches Heures du Duc de Berry bratří Limburků. Na obou obrázcích jsou ženy zobrazeny s více zaoblenými bříšky. Velkolepá kniha hodin vévody z Berry zobrazuje svatbu a je srovnatelná s portrétem Arnolfiniho, protože obě ženy promítají obraz mateřství v očekávání těhotenství. Aniž bychom se na obraz podívali z moderní perspektivy, lze ho považovat za záznam toho, co měly ženy na sobě a co bylo důležité, aby lidé ukázali ostatním.

2. Období baroka a rokoka

Období baroka a rokoka se vyznačuje vynikajícím dekorem, dekadencí a hravostí. Tyto tendence se projevovaly nejen v umění, ale také v módě prostřednictvím složitých ozdob a luxusních šatů. Podívejte se na některé ze slavných šatů inspirovaných uměním.

Alžběta Clark Frick (paní John Frick) a Little Mary jsou důležitým záznamem New England Puritans, protože pozornost neznámého umělce věnuje detailům a oblékání. V tomto vzhledu Elizabeth nosí jemné americké látky a doplňky z roku 1600. Její bílý krajkový límec naznačuje oblíbenou evropskou krajku, která se nachází mezi aristokratickými ženami. Zpod šatů je vidět zlatem vyšívaná sametová spodnička a rukávy zdobí stužky. Žena má také šperky: perlový náhrdelník, zlatý prsten a granátový náramek, což zase mluví o postavení a prosperitě. Tento obraz nabízí jedinečný pohled na puritánský život Alžběty a její rodiny.

Za zmínku stojí také skutečnost, že se umělci mistrovsky podařilo smíchat obrazy bohatství ve skromném prostředí. Obraz jasně ukazuje Elizabethino bohatství a zdůrazňuje její nejlepší oblečení a šperky. Odráží také bohatství jejího manžela Johna Fricka, který si mohl dovolit splnit každý rozmar své ženy tím, že jí koupil různé druhy oblečení a šperků. Obrázek navíc symbolizuje jejich puritánský postoj vděčnosti Bohu, protože bez Jeho požehnání by nemohli mít takový luxus.

Houpačka od Jean-Honore Fragonarda je příkladem rokokového stylu ve francouzských aristokratických kruzích. Obraz byl zadán soukromě, když francouzský dvořan požádal umělce, aby namaloval jeho vlastní portrét a portrét jeho milenky. Navzdory skutečnosti, že obraz byl držen za zavřenými dveřmi, odhaluje luxus, lehkomyslnost a tajnou povahu francouzského královského dvora.

Pastelové růžové šaty vyniknou mezi svěží zahradou a jsou středem pozornosti. Jean namalovala šaty volnými tahy štětce, které napodobovaly široké sukně a volánový živůtek jejích šatů. Jeho volný kartáč odpovídá zápletce této idylické zahradní scény plné koketních a rozmarných obrazů.

Jeho malba také předvádí trendy nastolené na francouzském dvoře pro módu. Rokoko překračovalo módu, umění a architekturu, aby vytvořilo něco jedinečně francouzského. Rokoková móda zahrnovala ty nejluxusnější látky, včetně pastelových hedvábí, sametů, krajek a květinových vzorů, stejně jako nadměrné množství mašlí, drahokamů, volánů a ozdobných ozdob, které vytvářely vzhled, na který by se dvořané a hosté schoulili. mít hlavy. Styl definoval rozdíl mezi chudými a bohatými, protože aristokracie si mohla dovolit luxus vynikajících tkanin a ozdob. Pro ženy, které nosí tyto oblečení inspirované rokokem, je obraz ztělesněním francouzského královského dvora před revolucí.

3. Slavné šaty v obrazech 19. století

V 19. století došlo k uměleckému posunu od neoklasicismu k rané moderně, přičemž ustoupily stylům a myšlenkovým směrům. V tomto století došlo také ke změně módy. Přečtěte si, jak obrazy ovlivnily vznik slavných šatů a stylů, které byly znatelně modernější než dříve.

Umění pro umění se stalo spojením se Symfonií v bílém č. 1 od Jamese Abbotta McNeilla Whistlera, který zamýšlel dát obrazu duchovní význam. Kritici to však neviděli, protože obraz líčil umělcovu milenku oblečenou ve světle bílých šatech. V důsledku toho se tento portrét stal skandálním. V průběhu 19. století ženský oděv často obsahoval krinolínovou spodničku vyrobenou z oceli. Ženy také nosily korzety mezi řadou dalších spodního prádla, aby si mohly vytvořit širší sukně.

„Žena v bílém“je naprostým opakem toho, co bylo v té době módní a výrazné. Šaty hlavní postavy zobrazené na obrázku byly druhem spodního prádla, které mohl vidět buď manžel, nebo milenec, protože se věřilo, že takové oblečení je velmi snadné svléknout. Pro Whistlera měla být jeho múza součástí scény, která byla příjemná pro oko. Ztvárnil Hiffernan, jak ji viděl, a pro tehdejší diváky byl obraz jak matoucí, tak trochu neslušný. S příchodem roku 1900 se však takové šaty staly normou pro každodenní nošení.

Na konci 19. století vytvořil James Tissot mnoho obrazů zobrazujících ženskou módu. Byl před evropskou módou a je dobře známý tím, že maloval své předměty s ohledem na nejnovější módní trendy. Dámská móda se začala mezi mladými dámami v Paříži a Londýně měnit koncem 19. století. Široké a těžké sukně jejich viktoriánských předchůdců nahradily užší s nafouknutými řasením vzadu.

Na obraze „Slečna Lloydová“je hrdinka oblečená v šatech, jak se v té době nosila ve společnosti, s důrazem na úzký pas a postavu přesýpacích hodin. „Portrét Kathleen Newtonové“(jeho tehdejší společnice) je naprostým opakem obrazu slečny Lloydové. Umělec vylíčil ženu v šatech, jako by z ní vyzařovala malátnost a svádění. Obě ženy však mají své vlastní zvláštní kouzlo a tajemství, které je obklopuje. Samotné šaty symbolizují rozdíly v tehdejší populární kultuře. Jeden obraz je tradiční a konvenční, zatímco druhý je upřímně intimní a skandální pro diváky v 19. století.

John Singer Sargent vytvořil obraz ženy, který, i když byl pro svou dobu nepřijatelný, se stal jedním z jeho nejznámějších a nejuctívanějších obrazů. Toto je portrét Madame Virginie Gautreau, americké krásky smíchané s francouzskou vysokou společností. To způsobilo takový skandál, že John sám musel opustit Paříž do Londýna.

Její korzet je extrémně špičatý směrem k podbřišku. Ostrý, hluboký výstřih do V a korálkové ramenní popruhy stěží zakrývají ramena a odhalují to, co bylo považováno za intimní partie ženy, nevhodné pro veřejné vystavování. Poté, co Sargent představil obraz na pařížském salónu v roce 1884, to vyvolalo pobouření kritiků i diváků, protože není vhodné, aby vdaná žena z vyšší třídy byla v tak provokativní podobě. Divákům v Salonu se zdálo, že hrdinka obrázku měla na sobě spodní prádlo, ne šaty. A Gautreauova pověst v očích lidí začala klesat k nule, protože ji mnozí považovali za obscénní osobu. Nakonec Sargent odstranila její jméno z portrétu a přejmenovala jej na „Madame X“.

4. Slavné šaty v obrazech dvacátého století

Umění ve dvacátém století se zaměřovalo na abstrakci a výraz, prošlo významnými změnami s novými styly a tématy. Vedlo to také ke zkoumání nových forem a syntéz módy a umění. Zde jsou uvedeny slavné šaty z obrazů během dvacátého století.

Zlaté šaty Adele Bloch-Bauerové vyčnívají ze zbytku vysokého společenského oděvu své doby. Spíše než líčit ženu z vyšší třídy relaxující na zahradě nebo číst na gauči, Klimt proměňuje Adele v nadpozemskou postavu. Její šaty jsou vířící postavou plnou trojúhelníků, očí, obdélníků a ikonografie. Neexistují žádné známky rovných šněrovacích korzetů nebo vrstev oblečení. Moderní obsahuje témata přírody a mýtické obrazy. To platí i pro bohémskou módu, kterou sám Gustav nosil a používal na různých dalších obrazech.

Často maloval kresby vytvořené módní návrhářkou Emily Flege. Ve světě módy není tak známá jako její současníci nebo předchůdci, ale při vytváření módy pro ženy své doby si vedla dobře. Občas to byla spolupráce, protože Gustav použil své slavné šaty v mnoha svých dalších obrazech.

Tamara Lempicka vytvořila portréty, které ve 20. letech zkoumaly ženskost a nezávislost. Umělec ve stylu Art Deco se proslavil svými portréty celebrit, které prozkoumaly stylizovanou a vybroušenou formu kubismu, která se stala její ochrannou známkou. Ira Perrault (blízký přítel a pravděpodobně milenka Lempickiho) je vnímána jako doslovný projev hudby v La Musicienne. Obraz vyniká tím, že zobrazuje modré šaty. Tamarina drsná technika vrhání stínů s bohatou barevnou paletou dává šatům pohyb, takže se zdá, že se vznáší ve vzduchu. Krátký lem šatů a splývavé řasení stále připomínají módu 20. let 20. století, která byla zlomem v dámské módě. Ženy nosily šaty, které odhalily jejich nohy a ruce, a skládané sukně, které usnadňovaly tanec.

Tamara byla inspirována a studována renesančními mistry a používala podobná témata s moderním přístupem. Na šatech Panny Marie je na středověkých nebo renesančních obrazech tradičně vidět modrá. Ultramarínová modř byla vzácná a byla použita pro významné malby.

Barevné a ručně vyráběné mexické látky jsou vetkány do díla Fridy Kahlo. Tyto oděvy přijala jako součást svého dědictví a nosila je na mnoha autoportrétech a fotografiích. Slavné šaty obsažené v seriálu The Two Fridas symbolizují její vazby na obě strany jejího evropského a mexického dědictví.

Frida vlevo odráží její výchovu v rodině vyšší střední třídy. Její otec byl původem z Německa a domácí život v dětství obsahoval západní zvyky. Bílá krajka šatů symbolizuje styl oblíbený v evropské módě. Tato westernizovaná verze kontrastuje s touhou pravicové Fridy obejmout své mexické dědictví tím, že nosí tradiční šaty. Toto oblečení je něco, co její manžel Diego Rivera povzbudil, zejména v jejich boji za změnu své země. Šaty ukazovaly její hrdost na místní a tradiční oděvy z Mexika.

Oblečení Kahlo je důležitým aspektem jejího života a práce. Poté, co se v dětství nakazila obrnou a jedna noha byla kratší než druhá, se jí barevné sukně staly způsobem, jak si nohu schovat tak, aby ji chránila před zkoumáním. Umělcova skříň zahrnovala šaty z tehuany, halenky huipil, rebozo, květinové čelenky a starožitné šperky. Tyto kusy oblečení pro Kahlo jsou ilustrací její lásky, bolesti a utrpení, které zahrnula do své práce.

O, jak se kimono v průběhu staletí měnilo a jakou roli sehrála v umění a moderní módě, přečtěte si další článek.