9 mistrovských děl brilantních umělců, kteří inspirovali skvělé módní návrháře a vytvořili jedinečné kolekce

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Naposledy změněno: 2023-12-16 00:00

V celé historii šly móda a umění ruku v ruce a vytvářely skvělou kombinaci. Mnoho módních návrhářů si pro své kolekce vypůjčilo nápady z uměleckých hnutí, což umožnilo módu interpretovat jako uměleckou formu, která slouží hlavně k vyjádření myšlenek a vizí. Ovlivněno tím, někteří mezinárodně uznávaní módní návrháři vytvořili vynikající kolekce založené na uměleckých hnutích 20. století.

1. Madeleine Vionne

Madame Madeleine Vionne se narodila v severo-centrální Francii v roce 1876 a byla známá jako „bohyně stylu a královna krejčovství“. Během svého pobytu v Římě byla fascinována uměním a kulturou řecké a římské civilizace a inspirovala se starověkými bohyněmi a sochami. Na základě těchto uměleckých děl formovala estetiku svého stylu a kombinovala prvky řecké sochařství a architektury, aby dala ženskému tělu nový rozměr. Díky své dovednosti v draperiích a šikmých šatech způsobila Madeleine revoluci v moderní módě. Své umělecké sbírky často konzultovala s uměleckými díly, jako je Okřídlené vítězství Samothrace.

Podobnosti mezi mistrovským dílem helénistického umění a Vionneinou múzou jsou pozoruhodné. Hluboké zakrytí látky ve stylu řeckého chitonu vytváří svislé pruhy světla proudící po postavě. Socha byla vytvořena na počest řecké bohyně vítězství Niké a je obdivována pro své realistické zobrazení pohybu. Splývavá rouška designu Vionnet připomíná pohyb vlající látky, která přilne k tělu Nike. Šaty mohou být jako živé bytosti s duší, jako tělo. Stejně jako Okřídlené vítězství Samothrace, Madeleine vytvořila šaty, které probouzí lidskou podstatu skrytou hluboko uvnitř. Klasicismus, estetická i designová filozofie, dal Vionne příležitost zprostředkovat její vizi v geometrické harmonii.

Fascinovaly ji také hnutí současného umění, jako je kubismus. Madeleine začala do svých výtvorů začleňovat geometrické tvary a přijala další způsob jejich řezání, nazývaný úkosové řezání. Vionne samozřejmě nikdy netvrdila, že vynalezla šikmý řez, ale pouze rozšířila jeho použití. Protože ženy začátkem dvacátého století udělaly velký pokrok v boji za svá práva, Madeleine bránila jejich svobodu zrušením dlouhotrvajícího viktoriánského korzetu z každodenního nošení žen. Proto se stala symbolem osvobození žen z omezení poprsí a místo toho uvolňovala nové, lehčí látky, které doslova tekly ženským tělem.

2. Pierpaolo Piccioli

Pierpaolo Piccioli je hlavním designérem Valentina a je velmi přitahován náboženskými díly středověku. Výchozím bodem inspirace je pro něj přechodový okamžik od středověku do severní renesance. Spolupracoval se Zandrou Rhodes a společně na jaře 2017 vyvinuli inspirativní kolekci. Piccioli chtěl propojit punkovou kulturu konce 70. let s humanismem a středověkým uměním, proto se vrátil ke svým kořenům a renesanci, inspiraci našel v obraze Hieronyma Bosche Zahrada pozemských rozkoší.

Slavný holandský malíř byl jedním z nejvýznamnějších představitelů severní renesance v 16. století. V „Zahradě pozemských rozkoší“, kterou Bosch namaloval před reformací, chtěl umělec znázornit ráj a stvoření lidstva, první pokušení Adama a Evy, stejně jako peklo, očekávající hříšníky. Ve středovém podokně se zdá, že lidé uspokojují své chutě ve světě potěšení. Ikonografie společnosti Bosch vyniká svou originalitou a smyslností. Celý obraz je interpretován jako alegorie hříchu.

Ve světě módy si obraz získal oblibu, protože jeho motivy fascinovaly různé módní návrháře. Prolínáním dob a estetiky Piccioli reinterpretoval Boschovy symboly pomocí létajících průhledných šatů, zatímco Rhodes vytvořil romantické tisky a vyšívané vzory mírně podobné původním uměleckým dílům. Barvy byly určitě součástí sdělení, které chtěli designéři sdělit. Sbírka létajících zasněných šatů je tedy založena na severní barevné paletě jablečně zelených, světle růžových a modrých vajíček robin.

3. Dolce a Gabbana

Peter Paul Rubens mistrovsky maloval ženy s láskou, učením a pílí. Svou „Venuši před zrcadlem“představil jako nejvyšší symbol krásy. Peter exkluzivně zobrazil její světlou tvář a blonďaté vlasy, což kontrastuje se služebnou tmavé pleti. Zrcadlo je absolutním symbolem krásy, který rámuje ženu jako portrét, a zároveň rafinovaně zdůrazňuje nahotu postavy. Zrcadlo, které Amor drží pro bohyni, ukazuje odraz Venuše jako reprezentace erotické přitažlivosti a touhy. Rubens, který byl jedním ze zakladatelů barokního umění, a jeho koncept „barev přes čáry“ovlivnil několik módních návrhářů, včetně Dolce & Gabbana. Barokní styl se odchýlil od ducha renesance, opuštěné vyrovnanosti a uhlazenosti a místo toho hledal eleganci, vzrušení a pohyb.

Módní návrháři Domenico Dolce a Stefano Gabbana chtěli vytvořit kampaň, která by oslavila smyslnou i romantickou stránku ženské krásy. Peter Paul Rubens byl nejvhodnějším zdrojem inspirace. Výtvory kultovního dua byly ve velké harmonii s uměním vlámského umělce. V této kolekci modelky pózovaly s velkou noblesou a vypadaly, jako by právě odstoupily z jednoho z Rubensových obrazů. Dekorace byly navrženy tak, aby připomínaly barokní zrcadla a detaily výšivky. Ladnost postav a pastelovou barevnou paletu krásně zdůraznily šaty z brokátové růžové barvy. Volba módních návrhářů zahrnout různé modely dále přispěla k typu těla té doby. Zakřivené linie, které Dolce a Gabbana používaly, byly v rozporu s diskriminací různých typů těl v módním průmyslu.

Kolekce Dolce and Gabbana Women Fall 2012 předvádí mnoho rysů italské barokní architektury. Tato kolekce dokonale odpovídá bohatě zdobeným charakteristikám sicilského barokního stylu. Návrháři se zaměřili na barokní architekturu, jak je vidět v katolických kostelech na Sicílii. Referenčním bodem byl obraz Rubense „Portrét Anny Rakouské“. Ve svém královském portrétu je Anna Rakouska zobrazena ve španělské módě. Černé šaty Anny zdobí svislé pruhy zelené výšivky a zlaté detaily. Uměle navržené šaty a peleríny z luxusních textilií, jako jsou krajky a brokáty, se staly hlavním rysem přehlídky Dolce a Gabbana, které dobyly svět svou kreativitou.

4. Cristobal Balenciaga

Cristobal Balenciaga lze nazvat skutečným mistrem, který ve dvacátém století reformoval ženskou módu. Narodil se v malé vesnici ve Španělsku a do svých současných projektů vnesl esenci historie španělského umění. Během své kariéry na Balenciagu zapůsobila španělská renesance. Inspiraci často hledal u španělské královské rodiny a členů duchovenstva. Módní návrhář proměnil církevní předměty a klášterní róby éry na nositelná módní mistrovská díla.

Jednou z jeho velkých inspirací byl manýrista El Greco, známý také jako Dominikos Theotokopoulos. Při pohledu na kardinála El Greca Fernanda Niño de Guevaru můžete vidět podobnosti mezi kardinálským pláštěm a designem Balenciagy. Obraz zobrazuje španělského kardinála Fernanda Niňo de Guevaru z doby El Greca v Toledu. El Grecovy myšlenky byly vypůjčeny z neoplatonismu italské renesance a na tomto portrétu představuje kardinála jako symbol Boží milosti. Manýrismus je přítomen v celém obrázku. To je patrné na prodloužené postavě s malou hlavou, půvabnými, ale bizarními končetinami, intenzivními barvami a odmítáním klasických měřítek a proporcí.

Balenciagova vášeň pro historické oblečení je evidentní v tomto extravagantním večerním kabátu z jeho kolekce z roku 1954. Měl vizi a schopnost vymýšlet tvary v moderní módě. Přehnaný límec tohoto kabátu odráží pytlovitý styl kardinálského pláště. Červená barva kardinálových šatů symbolizuje krev a jeho ochotu zemřít pro víru. Zářivá červená byla slavným návrhářem považována za mimořádnou, protože často dával přednost výrazným barevným kombinacím a živým odstínům. Jeho velkou novinkou bylo odstranění pasu a zavedení splývavých linií, jednoduchých střihů a tříčtvrtečních rukávů. Balenciaga tím způsobila revoluci v dámské módě.

Návrhář také představil rukávy s délkou náramku, které ženám umožňovaly vystavovat své šperky. V šedesátých letech, s postupným zaváděním žen do pracovního průmyslu, měla Balenciaga nápad poskytnout ženám, které oblékal, pohodlí, svobodu a funkčnost. Propagoval volné, pohodlné šaty, které kontrastovaly s tehdejšími siluetami.

5. Alexander McQueen

Rakouský umělec, mistr symbolismu a zakladatel vídeňského secesního hnutí Gustav Klimt položil základ dějin umění 20. století. Jeho obrazy a umělecká estetika dlouho inspirovaly módní návrháře. Jiní, jako Aquilano Rimondi, L'Rene Scott a Christian Dior, designér, který přímo odkazoval na Klimta, byl Alexander McQueen. V kolekci Resort jaro / léto 2013 navrhl jedinečné kousky, které se zdají být inspirovány umělcovou tvorbou. Při pohledu na splývavé černé šaty s opakujícím se zlatým vzorem navrchu - může mě napadnout konkrétní obrázek. McQueen použil abstraktní, geometrické a mozaikové návrhy v bronzových a zlatých tónech a začlenil je do svých návrhů.

V roce 1905 namaloval Gustav Klimt obraz „Objetí“, zobrazující pár zachycený v něžném objetí, který se stal symbolem lásky. Rakouský umělec je známý svými zlatými obrazy a také dokonalou kombinací abstrakce a barev přítomných v těchto dílech. Všechny mozaiky mají bohaté zlaté tóny s kaleidoskopickými nebo přírodními ozdobami, které měly velký vliv na módu. Tento obraz je pozoruhodný díky kontrastním geometrickým tvarům mezi oblečením obou milenců. Pánské oblečení se skládá z černých, bílých a šedých čtverců, zatímco dámské šaty zdobí oválné kruhy a květinové motivy. Klimt tedy mistrovsky ilustruje rozdíl mezi mužstvím a ženskostí. Alexander přijal něco podobného pro své oblečení.

6. Christian Dior

Claude Monet, zakladatel impresionismu a jeden z největších francouzských malířů v dějinách umění, zanechal po sobě velké umělecké dědictví. Monet využil pro inspiraci svůj domov a zahradu v Giverny a na svých obrazech zachytil přírodní krajinu. Zejména v obraze „Umělcova zahrada v Giverny“se mu podařilo manipulovat s přírodní krajinou v souladu se svými potřebami. Scénu doplňuje kontrast hnědé špíny proti zářivé barvě květin. Slavný impresionista často vybral květ duhovky kvůli jeho purpurové barvě, aby vytvořil efekt jasného slunce. Tento obraz je plný života, protože květiny kvetou a pozdravují, objímají jaro. Okvětní lístky růží a šeříků, kosatce a jasmín jsou součástí barevného ráje vyobrazeného na bílém plátně.

Ve stejném duchu zanechal Christian Dior, průkopník francouzské módy, obrovskou stopu ve světě módy, který je cítit dodnes. V roce 1949 navrhl kolekci haute couture pro sezónu jaro / léto. Jedním z vrcholů této výstavy byly ikonické šaty Dior, kompletně vyšívané okvětními lístky v různých odstínech růžové a fialové. Dior dokonale ilustroval dva světy umění a módy a v těchto funkčních šatech napodobil Monetovu estetiku. Strávil spoustu času na venkově a maloval své sbírky ve své zahradě v Granville, jako to udělal Monet. Proto definoval elegantní styl Dior začleněním Monetovy barevné palety a květinových vzorů do svých výtvorů.

7. Yves Saint Laurent

Mondrian byl jedním z prvních umělců, kteří ve 20. století vytvořili abstraktní umění. Narodil se v Nizozemsku v roce 1872 a založil celé umělecké hnutí s názvem De Stijl. Cílem hnutí bylo sjednotit současné umění a život. Tento styl, také známý jako neoplasticismus, byl formou abstraktního umění, ve kterém bylo použití pouze geometrických principů a primárních barev, jako je červená, modrá a žlutá, kombinováno s neutrálními (černá, šedá a bílá). Peteův inovativní styl z počátku 20. století přinutil módní návrháře reprodukovat tento čistý typ abstraktního umění. Nejlepším příkladem tohoto stylu malby je Kompozice s červenou, modrou a žlutou barvou.

Milovník umění, francouzský módní návrhář Yves Saint Laurent, začlenil Mondrianovy obrazy do svých výtvorů haute couture. Peteovým dílem se poprvé nechal inspirovat, když si přečetl knihu o umělcově životě, kterou mu jeho matka věnovala na Vánoce. Návrhář umělci vyjádřil uznání ve své podzimní kolekci z roku 1965, známé jako kolekce Mondrian. Inspirován umělcovými geometrickými liniemi a výraznými barvami představil šest koktejlových šatů, které oslavovaly jeho ikonický styl a éru šedesátých let obecně. Každý z Mondrianových šatů byl mírně odlišný, ale všechny měly jednoduchý tvar písmene A a délku kolen bez rukávů, která byla ideální pro každý typ postavy.

8. Elsa Schiaparelli

Elsa Schiaparelli, narozená v roce 1890 v aristokratické rodině v Římě, brzy vyjádřila svou lásku k módnímu světu. Začala rozvíjet svůj revoluční styl, inspirovaný futurismem, dada a surrealismem. Jak její kariéra postupovala, komunikovala s takovými slavnými surrealisty a dadaisty, jako jsou Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp a Jean Cocteau. Dokonce spolupracovala se španělským umělcem Salvadorem Dalím.

Jednou z největších spoluprací v historii módy byla spolupráce mezi Dali a Elsou Schiaparelli. Tyto šaty byly vytvořeny se Salvadorem Dalím jako součást cirkusové kolekce Schiaparelli v létě roku 1938. Šaty odkazují na Daliho obraz, na kterém zobrazoval ženy se zkreslenými tělesnými proporcemi.

Pro surrealistické umělce bylo hledání ideální ženy odsouzeno k neúspěchu, protože ideál existoval pouze v jejich představách, nikoli ve skutečnosti. Dali však neměl v úmyslu vykreslit ženy realisticky, takže jejich těla nejsou vůbec estetická. Schiaparelli chtěl experimentovat s touto hrou skrývání a odhalování těla a vytvářet iluzi zranitelnosti a nejistoty. Plášť s iluzí slz byl vyroben z bleděmodrého hedvábného krepu, čímž vzdal hold Salvadorovi a jeho nepřiměřeným ženám.

9. Gianni Versace

Éra pop artu byla pravděpodobně nejvlivnějším obdobím pro módní návrháře a umělce v dějinách umění. Andy Warhol byl průkopníkem spojení popkultury a vysoké módy, čímž se stal ikonickým symbolem pop -artového hnutí. V šedesátých letech začal Warhol cvičit svou podpisovou techniku známou jako sítotisk.

Jedním z jeho prvních a bezpochyby nejslavnějších děl byla Marilyn Diptych. Pro toto dílo čerpal inspiraci nejen z popkultury, ale také z dějin umění a abstraktních expresionistických umělců. Andy zachytil dva světy Marilyn Monroe, společenský život hollywoodské hvězdy a tragickou realitu Normy Jeane, ženy, která bojovala s depresí a závislostí. Diptych zesiluje vibrace vlevo, zatímco vpravo mizí ve tmě a temnotě. Ve snaze reprezentovat konzumní společnost a materialismus zobrazoval jednotlivce spíše jako produkty než lidi.

Italský designér Gianni Versace měl s Andy Warholem dlouholeté přátelství. Oba muži byli fascinováni populární kulturou. Na počest Warhola mu Versace věnoval svou sbírku jaro / léto 1991. Na jednom ze šatů byly potisky Warhola s Marilyn Monroe. Živé hedvábné portréty Marilyn a Jamese Deana z 60. let zakomponoval do sukní a maxi šatů.

A v pokračování tématu módy, krásy a mimořádných nápadů si přečtěte také o tom, jak moderní umělci udělali z líčení skutečné umělecké dílo.