Kdo Rodin skutečně vytvořil „myslitel“nebo „truchlící“: skutečný význam slavných uměleckých děl

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Naposledy změněno: 2023-12-16 00:00

Každý si může snadno všimnout, že téma smutku je u umělců velmi oblíbené. A často moderní lidé ani nevědí o historii vzniku některých obrazů nebo soch a jejich skutečném významu.

„Portrét Benátek Stanley, Lady Digbyová“Van Dyck

Zdá se, že mladá žena klidně spí. Když se však vlámský umělec Anthony van Dyck v roce 1633 pokusil zprostředkovat na plátně veškerou aristokratickou krásu Benátek Stanley, lady Digbyové, ve skutečnosti maloval portrét … dvoudenní mrtvoly ležící na smrtelné posteli.

Zarmoucen zármutkem ze zjištění, že jeho žena náhle zemřela v noci, ve věku 33 let, manžel Benátky Sir Kenelm Digby požádal Van Dycka, dvorního malíře krále Karla I., aby namaloval jeho zesnulou manželku dříve, než „chirurgové a koronery dorazil."

Anthony van Dyck napsal Benátky, Lady Digby na smrtelné posteli v roce 1633 - dva dny poté, co žena zemřela ve spánku

Van Dijk se pustil do práce a ignoroval hrozné změny, které v lidském těle nastanou po smrti. Na bledý, okouzlující krk Benátek nakreslil perlový náhrdelník a na okraj prostěradla rozházel okvětní lístky růží. Digby věřil, že obraz od Van Dycka, který je nyní v londýnské Dulwich Art Gallery, byl vrcholným úspěchem umělcovy tvorby. Podle něj tato „růže“působila i na první pohled „blednutím“a měla symbolizovat smrt jeho manželky.

Navzdory skutečnosti, že uplynulo téměř 4 sta let, stále existují pověsti, že smrt své manželky způsobil sám Digby, který nebyl jen dvořanem a diplomatem, ale také vynálezcem a alchymistou. Někteří říkají, že dal Benátkám vypít směs zmijí krve, s níž doufal, že zachová její krásu. Jiní se domnívají, že ji zabil v záchvatu žárlivosti - koneckonců údajně kdysi jednou prohlásil o notoricky známé benátské pověstnosti, že „moudrý a silný muž dokáže udělat poctivou ženu i z pracovníka nevěstince“. Je zajímavé, že ačkoliv byla provedena pitva, její výsledky se nedochovaly.

Digby se však ocitl zničený smrtí Benátek. Napsal svému bratrovi, že posmrtný portrét Van Dycka „je jediným stálým společníkem, kterého nyní mám. Stojí celý den před mou židlí a stolem … a celou noc u postele. Když na něj dopadá slabé měsíční světlo, zdá se mi, že ji opravdu vidím mrtvou. “

Jinými slovy, podle dopisu Digbyho se malá olejomalba Van Dycka o velikosti necelý jeden metr čtvereční stala útěchou a útěchou vdovci zasaženému žalem. Pokud je růže na obrázku skutečně „znakem“pomíjivosti života, samotný obraz symbolizuje to, co lze nazvat uměním smutku.

Kromě pohřebních památek v kostelech, které byly instalovány hlavně na památku zesnulých, se téma smutku v západním umění před érou Van Dycka, ve středověku a během renesance nacházelo zpravidla pouze v náboženských malby a sochy věnované tragickému příběhu Kristovy smrti ….

Michelangelova Pieta v bazilice svatého Petra

Michelangelova ohromující mramorová pieta v bazilice svatého Petra je jediným sochařským dílem, které kdy podepsal. Zobrazuje truchlící Pannu Marii s mrtvým Kristem ležícím v jejím klíně. Toto je možná nejslavnější příklad, ale existuje mnoho dalších. Lze například vyzdvihnout obraz jiného vrcholně renesančního umělce a přítele Michelangela Sebastiana del Piomba. Podle odborníků z Národní galerie je obraz (na kterém del Piombo spolupracoval s Michelangelem) „Oplakávání mrtvého Krista“(asi 1512–1516) „první rozsáhlou noční krajinou v historii“a jeho měsíční oblohou dokonale odpovídá ponuré náladě.

Michelangelova Pieta v bazilice svatého Petra je slavnou verzí jednoho z nejběžnějších obrazů katolicismu: smutek Panny Marie nad smrtí jejího syna

Tradiční téma smutku pro Krista samozřejmě ztvárnilo mnoho slavných autorů v dějinách umění, od Giotta a Mantegny po Rubense a Rembrandta. To je jen několik z tisíců umělců, kteří v průběhu staletí zobrazovali tuto biblickou scénu v té či oné podobě. Umění smutku se skutečně stalo tak všudypřítomným, že někdy lidé zapomněli, na co se dívají. Kurátor Rodinovy nové výstavy v Britském muzeu nedávno publikoval článek naznačující, že slavná francouzská socha Myslitel by se ve skutečnosti měla jmenovat Mourner. "Podívej se pozorně na ruku a bradu," řekl Ian Jenkins, odborník na starověké řecké umění. - Pokud by tento člověk o něčem přemýšlel, zakryl by si bradu rukou v gestu ohleduplnosti. Ale v této soše ruka podporuje bradu. A ve starověkém Řecku to bylo gesto smutku. “

„Isle of the Dead“od Arnolda Böcklina

Olejomalba na dřevo od Arnolda Böcklina „Ostrov mrtvých“, 1880. Jeho děj je založen na starověké řecké mytologii. Obraz inspiroval stejnojmenný horor od Jacquese Tourneura

Pokud zadáte slovo „smutek“do online vyhledávače jakéhokoli mezinárodního muzea, vrátí mnoho výsledků. Například ve Velké Británii vyhledávání tohoto klíčového slova na webu Tate Gallery vrátilo 143 uměleckých děl na téma smutek a utrpení v různých obdobích.

Například v 18. století začali umělci nahlížet na smutek a smutek hranolem shakespearovského dramatu. Oblíbeným tématem byla smrt dcery krále Leara Cordelie. Úžasně detailní obraz Johna Everetta Millaise Ophelia (1851-52), pro který modelka Elizabeth Siddal pózovala několik hodin denně ve vaně po dobu čtyř měsíců, je v 19. století slavným a velmi poetickým vizuálním vyjádřením smutku. Je na něm dánská šlechtična ze Shakespearova Hamleta, která zešílela žalem nad svým zavražděným otcem a utopila se v potoce.

Rodinův myslitel

Ian Jenkins z Britského muzea se domnívá, že Rodinův Myslitel by se měl jmenovat Truchlící, protože postava si opřela bradu sevřenou pěstí - jasný znak toho, že je dotyčný uzavřený a ponořený do vlastního smutku.

Smutek byl velmi důležitým tématem pro umělce během viktoriánské éry, kdy byla populární komplexní „kultura smutku“. Historik umění Nigel Llewellyn ve svém Umění smrti (1991) poznamenává, že „působivá vizuální kultura smrti“byla charakteristickým znakem 19. století.

„Plačící žena“od Picassa

Ve 20. století umělci pokračovali v tradici svých viktoriánských předků, aby ve svých dílech vyjádřili smutek. Asi nejlepším příkladem je Picassova Plačící žena (1937), která je spojena s jeho epickým obrazem Guernica téhož roku, namalovaným během španělské občanské války v reakci na německé letadlo bombardující baskické město. Guernica je mnohými považována za vrcholné vyjádření kolektivního smutku 20. století. Samozřejmě existuje mnoho příkladů dalších obrazů 20. století, jejichž téma souvisí se smutkem. Můžete si například připomenout malý obraz Luciana Freuda, který namaloval v roce 1973 - portrét jeho matky, zarmoucené smrtí jejího manžela.

„Triptych“od Francise Bacona

Francis Bacon namaloval v levém panelu Triptychu (srpen 1972) svého milence George Dyera, který spáchal sebevraždu

Triptych Francise Bacona, který je dnes v Tate také k vidění, se dokázal dotknout osobního i veřejného smutku. Jeden z Baconových takzvaných Černých triptychů byl namalován po sebevraždě jeho milence George Dyera, jehož obraz je vidět na levém panelu. Triptych je tedy nezapomenutelným a velmi osobním svědectvím malířova utrpení (které je mimochodem zobrazeno v pravém panelu).

Přirozeně, dvě světové války ve 20. století nemohly, ale měly dopad na umění. Kritici umění tvrdí, že válka měla ve srovnání s 19. stoletím hluboký vliv na způsob, jakým umělci zobrazovali zármutek. Na rozdíl od viktoriánského smutku, kde jednotlivé rodiny zažívaly individuální smutek, téměř každá rodina v Evropě najednou trpěla.

Válečné pomníky

Jedním z důsledků toho byla oficiální snaha vlády „vytvořit vhodnou vizuální kulturu pro smutek“. Klasické, alegorické pohřební figury tak milované Viktoriány nevyšly z módy. Na jejich místě byly válečné pomníky, které spíše zdůrazňovaly společnou národní oběť než ztrátu jednotlivců.

Cenotaph War Memorial near Whitehall, London, navržený Edwinem Lutyensem, je archetypálním příkladem tohoto nového přístupu: Místo lidských postav je prázdná rakev, kterou lze spojit s jakýmkoli vojákem. Truchlící rodiny jej mohou použít jako univerzální symbol.

Taryn Simon provedl instalaci „Occupation of Loss“, které se zúčastnilo 21 „profesionálních truchlících“z různých kultur

Všestrannost smutku je stále tématem, kterým se zabývají současní umělci. Začátkem letošního roku získala americká fotografka Taryn Simon nadšené kritiky na její živou instalaci Occupation of Loss, uváděnou v podzemní hale v severním Londýně. Na dílo, které mělo premiéru v New Yorku v roce 2016, Simon pozval 21 „profesionálních truchlících“z celého světa, včetně Albánie, Ázerbájdžánu, Ekvádoru, Ghany a Venezuely. Diváci mohli každou z těchto žen poslouchat.