7 mistrovských děl Hermitage, která stojí za to vidět v roce 2020

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Naposledy změněno: 2023-12-16 00:00

Vědci již dlouho prokázali, že umění má příznivý účinek na lidské zdraví tím, že snižuje úroveň úzkosti a stresu v těle. To platí zejména pro výtvarné umění a rozjímání o krásném. Proto, aby byl rok 2020 naplněn příznivým stavem těla i ducha, stojí za to navštívit Hermitage a prohlédnout si nejslavnější expozice muzea.

„Apoštolové Peter a Paul“od El Greca

El Greco je jedním z nejjasnějších a nejoriginálnějších umělců. Původem Řek, studoval malbu v Itálii v dílně velkého Tiziana. Naučil se od svého idolu olejovou techniku a inspiroval se také uměleckými technikami italského manýrismu. El Greco vynikal mezi svými kolegy originalitou dramaticky expresivního stylu. Ve svých portrétech věnoval velkou pozornost psychologické charakteristice. Na tomto obrazu z Ermitáže umělec představuje dva různé typy lidí. Vlevo je apoštol Petr, který třikrát popřel existenci Krista. Jeho tvář vyjadřuje smutek a nejistotu, zatímco jeho gesta jsou zabarvena pokáním a prosbou. Apoštol Pavel, který, jak víte, byl původně horlivým pronásledovatelem křesťanů, na obrázku ukazuje duchovní zápal při potvrzování pravdy. Gesta rukou, která tvoří kompoziční střed díla, vyjadřují dialog, který oba apoštoly spojuje.

Prošedivělý Peter, zabalený do zlatého roucha, naklonil hlavu na stranu. V levé ruce drží svůj symbol - klíč od Nebeského království. Pavel pevně přitlačí levou ruku na otevřený svazek na stole, pravá ruka se zvedne v gestu objasnění při pohledu přímo na diváka. Svatý Petr a svatý Pavel se v díle El Greca objevují mnohokrát a jsou zobrazeni s nápadnou důsledností. Umělec vždy ukazuje Petru s prošedivělými vlasy a plnovousem a přes modrou tuniku často nosí žlutou róbu. Paul je vždy mírně plešatý, s tmavými vlasy a plnovousem, v červeném rouchu přes modré nebo zelené šaty.

„Kajícník Marie Magdalény“od Tiziana

Kajícná Marie Magdaléna je portrétem sv. Máří Magdalény Tizianovi z doby kolem roku 1531 s podpisem „TITIANUS“na nádobě vlevo. Podle zápletky se jedná o ženu s rozpustilou minulostí, která podle evangelia (Lukáš 7, 36–50) přišla do domu farizea Šimona požádat Ježíše o odpuštění. Je to ženská postava vyobrazená Tizianem tlustými, koncentrovanými tahy a teplými tóny. Paleta zdůrazňuje neuvěřitelné oči nasáklé křišťálovými slzami. Měděné blond vlasy, které zakrývají postavu, jsou úžasně napsané. Téma kající se Marie Magdalény, zvedající oči k nebi, si v 16. století získalo v Itálii velkou popularitu mezi aristokraty, náboženskými vůdci a bohatou střední třídou. Nedostatek oblečení symbolizuje odmítnutí Magdalény ze šperků, zlata a světských koníčků kvůli víře v Krista. Zlaté vlasy a celková postava Magdalény navíc splňují standardy renesanční krásy.

„Madonna Litta“od Leonarda da Vinciho

Název dostal název podle milánské šlechtické rodiny, v jejíž sbírce byl po většinu 19. století nalezen. V roce 1865 koupil plátno pro Hermitage ruský car Alexandr II., Kde je vystaven dodnes. Tato práce zobrazuje Madonnu, jak kojí Kristovo dítě. Všimněte si absence duchů na tomto obrázku. Několik Leonardových pláten ukazuje stejnou vlastnost. Postavy jsou zasazeny do tmavého interiéru se dvěma klenutými otvory zobrazujícími pohled na hornatou krajinu. Zajímavý detail: uprostřed obrazu v levé ruce Krista je stehlík, který je symbolem Kristova umučení.

Pocit radosti z mateřství na obraze „Madonna Litta“je obzvláště nádherně zobrazen díky bohatství samotného obrazu Marie - zde našel svůj zralý výraz Leonardovy ženské krásy. Jemná, krásná tvář Madony dodává zvláštní spiritualitu napůl zavřeným očím a mírnému úsměvu. Kompozice obrazu je pozoruhodná svou výraznou jasností a dokonalostí. Madona s dítětem byla ve středověku běžným motivem křesťanského umění a pokračovala do renesance.

„Lute player“Caravaggio

Obraz si nechal objednat kardinál Francesco del Monte, který umělce sponzoroval. Caravaggio ztvárnil mladého muže fascinovaného hudbou: jeho pohled je plný inspirace, prsty se drží strun. Na tmavém pozadí jasně vystupuje postava mladého muže v bílé košili. Drsné boční osvětlení a padající stíny dodávají objektům téměř znatelný objem a hmotnost. Předměty umístěné na obrázku svědčí o velké lásce umělce ke světu kolem něj, o jeho touze pravdivě reprodukovat přírodu a zprostředkovat materiální kvalitu každého detailu. Na notebooku ležícím před hrdinou s loutnou jsou napsány úvodní poznámky madrigalu oblíbeného v 16. století „Víš, že tě miluji“.

Láska jako téma této práce je naznačena i jinými objekty. Popraskaná loutna byla například metaforou lásky, která selhává. Na úsvitu kreativity Caravaggio často dával mladým lidem ženské rysy, což však bylo typické pro italské umění konce 16. století. Je zajímavé, že hudebník z obrazu z Hermitage byl často mylně považován za dívku a skladba byla nazývána "The Lute Player".

„Dáma v modrém“Thomas Gainsborough

Jedno z nejlepších umělcových děl - „Dáma v modrém“- vytvořil Gainsborough na vrcholu svých tvůrčích sil. Na tmavém pozadí jemně vystupuje postava mladé ženy v otevřených šatech z průhledné bílé látky. Její pudrové vlasy jsou stylizované do svérázného účesu. Velké kadeře padají přes šikmá ramena. Svěžest mladistvého obličeje je zdůrazněna pootevřenými rty a tmavými očima mandlového tvaru. Lehkým pohybem pravé ruky drží modrý hedvábný šátek. Šedivé, namodralé, narůžovělé a bílé tóny jsou tu a tam vylepšeny jasnými tahy a pomáhají zprostředkovat eleganci a krásu modelu.

Odvážnost Gainsboroughových obrazových technik ohromila jeho současníky. Reynolds tedy zaznamenal na obrazech Gainsborough „podivná místa a rysy“, „které se zdají být pravděpodobnější výsledkem náhody než vědomého záměru“. Právě tato neakademická tradice je jedním z největších úspěchů Gainsborougha. „Dáma v modrém“vstoupila do Ermitáže v roce 1916 ze sbírky A. 3. Khitrovo vůlí.

Návrat marnotratného syna od Rembrandta Harmenszoona van Rijna

Toto mistrovské dílo biblického umění opět potvrzuje Rembrandtův status jednoho z nejlepších malířů všech dob a největšího ze všech starých mistrů v zobrazování biblických scén. Obraz Návrat marnotratného syna, dokončený umělcem v posledních letech jeho života, zobrazuje scénu z podobenství o Lukášovi 15: 11–32. Podle vynikajícího kritika umění Kennetha Clarka je plátno jedním z největších obrazů všech dob. Podle spiknutí otec, stejně jako patriarcha, položí ruce na ramena oholeného kajícníka a oblečený v obnošených šatech. Jeho oči jsou téměř zavřené. Akt odpuštění se stává požehnáním téměř svátostné svátosti.

Toto je obraz s nejvyšší spiritualitou, prostý všech neoficiálních aspektů, ve kterém se všechny pohyby a akce zastavily. Scéna se noří do tmy, jako tunel, ze kterého bledě září tváře otce a jeho nejstaršího syna. Jejich červená róba rozzáří tuto temnotu. Rembrandt opakovaně maloval na téma marnotratného syna, ale v této monumentální olejové verzi přišel ke svému nejnapínavějšímu a - díky kontrastu nejstaršího a mladšího (marnotratného) syna - k psychologicky nejtěžší formulaci.

„Tanec“od Henriho Matisse

„Tanec“je jedním z nejslavnějších děl Henriho Matisse - óda na život, radost, fyzické odmítnutí a symbol současného umění. Dílo bylo pověřeno vlivným ruským sběratelem Sergejem Ščukinem v roce 1909 k výzdobě jeho sídla. Tato umělecká orgie, charakterizovaná svou jednoduchostí a energií, zanechala nesmazatelnou stopu v umění 20. století. Tanec byl napsán na vrcholu fauvistické estetiky a ztělesňuje emancipaci tradičních západních uměleckých tradic. Henri Matisseova estetická volba pro tento obraz způsobila v roce 1910 skutečný skandál v uměleckých salonech. Odvážná nahota a drsné odstíny dodaly obrazu na tu dobu mimořádný charakter, který v očích některých diváků působil barbarsky.

Matisse použila k zobrazení tohoto tance pouze tři barvy: modrou, zelenou a červenou. V souladu s tradičními fauvistickými barevnými asociacemi vytvářejí tyto tři odstíny intenzivní kontrast. Cílem Matisse však nebylo šokovat publikum. Naopak se snažil spojit lidi navzájem a s přírodou. Jak umělec řekl: „To, o čem sním, je vyvážené, čisté a klidné umění, které se dokáže vyhnout problémům nebo zklamání.“