Jak se obrazy slavných umělců staly součástí módy a formovaly nový styl dvacátého století

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Naposledy změněno: 2023-12-16 00:00

Vazby mezi uměním a módou definují konkrétní momenty v historii. Obě tato média odrážejí sociální, ekonomické a politické změny od bouřlivých dvacátých let po zářivé osmdesátky. Zde jsou čtyři příklady umělců a módních návrhářů, kteří svou prací pomohli utvářet nový pohled na umění a módu 20. století.

1. Halston & Warhol: Fashion Brotherhood

Přátelství mezi Royem Halstonem a Andy Warholem definovalo umělecký svět. Roy i Andy byli vůdci, kteří vydláždili cestu k tomu, aby se umělec / návrhář stal celebritou. Odstranili domnělé stigma uměleckého světa a přinesli módu a styl masám. Warhol k vytvoření obrázků několikrát použil sítotisk. Ačkoli tento postup rozhodně nevymyslel, způsobil revoluci v myšlence hromadné výroby.

Roy používal látky a vzory, které byly jednoduché a elegantní, přesto okouzlující jeho používáním flitrů, ultras a hedvábí. Byl jedním z prvních, kdo zpřístupnil a žádal americkou módu. Oba zanechali svou konečnou stopu v umění a stylu v 60., 70. a 80. letech, což pokračuje dodnes.

Roy i Andy spolupracovali na mnoha různých projektech. Warhol vytvořil reklamní kampaně, které uváděly Halstonovo oblečení a dokonce i Halston sám. Halston zase použil květinový potisk Warhola v některých svých sbírkách oblečení, od večerních šatů až po sady pro volný čas.

Roy ve svých šatech používal jednoduché vzory, což je činilo velmi úspěšnými. Byly pohodlné na nošení, ale díky látkám, barvám a potiskům měly také nádech luxusu. Warhol také zjednodušil své materiály a postup. To usnadnilo reprodukci jeho díla a učinilo je prodejnějšími.

Komerční úspěch má pro oba umělce své vlastní výzvy. Halston byl prvním partnerem maloobchodního řetězce JCPenney v roce 1982, což ovlivnilo kvalitu jeho značky. Warhol se také setkal s kritikou, protože jeho práce byla vnímána jako povrchní. Oba však modernizovali své maloobchodní a marketingové využití ve svých příslušných prostorách, aby vytvořili značky pro masový prodej na trhu.

Roy a Andy byli častými návštěvníky Studia 54. Pořádali večírky, navrhovali a vyráběli díla pro celebrity jako Liza Minnelli, Bianca Jagger a Elizabeth Taylor. To vše se odráží v jejich tvorbě, když inspirovaly a definovaly disko éru 70. let.

Halston byl známý tím, že vytvořil třpytivé večerní oblečení. Roy položil flitry vodorovně na látku, čímž vytvořil třpytivý efekt materiálu, který použil k vytvoření luxusních outfitů, které si oblíbilo mnoho okouzlujících dam.

Warhol Diamond Dust Shoe Series také ilustruje noční život ve Studiu 54 a celebrity v něm žijící. Diamantový prach je to, co použil na šablony nebo obrazy, čímž vytvořil další prvek hloubky díla. A jeho boty byly původně nápadem na Halstonovu reklamní kampaň. V každém případě tito dva obrovsky přispěli k módě a zanechali za sebou nesmazatelnou stopu. Dokonce i dnes se mnoho moderních návrhářů inspiruje nápady Andyho a Roye a vytváří nádherné kolekce s ozvěnou minulosti.

2. Sonia Delaunay: Když se umění stane módou

Sonia Delaunay nejen revolucionizovala novou formu kubismu, ale také představila spojení mezi uměním a módou. Delaunay i její manžel byli průkopníky orfismu a experimentovali s různými formami abstrakce v umění. Byla první svého druhu, která použila svůj vlastní umělecký styl a přestěhovala se do světa módy pomocí svých originálních textilních návrhů, potisků nebo vzorů. Je více připomínána pro její umění a spojení s manželem než pro její módu. Její styl hrál ve 20. letech 20. století hlavní roli a její katalog oděvů si pamatují spíše fotografie a odkazy na její umění než samotné oděvy. Pro Sonyu existovalo a neexistuje hranice mezi uměním a módou. Pro ni jsou jedno a totéž.

S módním podnikáním začala ve 20. letech 20. století, kdy vytvářela oděvy pro klienty a navrhovala látky pro výrobce. Sonya nazvala svůj štítek Simultánní a šla ještě dál s použitím barev a vzorů na různá témata. V její tvorbě hrála důležitou roli simultánnost a její neobvyklá technika připomínala patchworkovou deku nebo textilie z východní Evropy: barvy na sebe navazovaly a vzory vytvářely harmonii a rytmus. Mezi její společná témata patří čtverce / obdélníky, trojúhelníky a diagonální čáry nebo koule - to vše se v jejích různých designech překrývá.

Delaunay byla mladá žena v době Edwardianů, kdy korzety a shoda byly normou. To se změnilo ve 20. letech 20. století, kdy ženy začaly nosit sukně nad kolena a volné, padnoucí oblečení. Tento aspekt je vidět na Delaunayových návrzích a ona byla vášnivá pro vytváření oblečení, které by vyhovovalo potřebám žen. Sonya vyvinula plavky, které umožnily ženám cítit se pohodlněji, i když sportují a plavou. Otisky dala na kabáty, boty, klobouky a dokonce i auta, jako plátno použila jakýkoli povrch. Její návrhy vytvářely svobodu pohybu a výrazu prostřednictvím barvy a tvaru.

Během své kariéry se neustále pokoušela o něco nového a v důsledku toho se přestěhovala do kina a divadla. Sonia navrhla kostýmy pro René Le Somptierovou Malý pařížan, zatímco její manžel vytvořil film. Měla ráda geometrické tvary, obratně je kombinovala a míchala, vytvářela bizarní vzory a přerušované linie, které se staly jejím poznávacím znamením.

3. Spolupráce mezi Elsou Schiaparelli a Salvadorem Dalím

Avantgarda surrealistického umění se snoubí s vůdcem surrealistické módy. Salvador Dali a módní návrhářka Elsa Schiaparelli během své kariéry vzájemně spolupracovaly a inspirovaly se. Vytvořili ikonický vzhled, jako jsou Lobster Dress, The Shoe Hat a The Tear Dress, které šokovaly a inspirovaly publikum v umění i módě. Dali a Schiaparelli vydláždili cestu pro budoucí spolupráci mezi módními návrháři a umělci a překlenuli propast mezi tím, co je považováno za nositelné umění a módu. Dali používal humry jako opakující se téma ve své práci a zajímala se o jejich anatomii.

Šaty „Omar“jsou společným dílem Elsy a Dali a jejich vytvoření vyvolalo mnoho kontroverzí nejen v den jeho debutu, ale i po něm. Za prvé, má čistý živůtek a bílou organzovou sukni. Neobvyklý outfit doslova vyhodil do vzduchu módní svět, což způsobilo v tomto ohledu mnoho kontroverzí. Použití bílé látky také kontrastuje s červenou barvou humra. Bílou lze považovat za panenskou nebo symbolizující čistotu ve srovnání s červenou, což může znamenat uvolněnost, sílu nebo nebezpečí.

Kostry jsou dalším tématem v surrealistickém umění a byly použity ve více spolupracích mezi Dali a Schiaparelli. Šaty Skeleton byly první svého druhu. Elsa použila techniku zvanou trapunto, kde jsou dvě vrstvy látky sešity dohromady, čímž se vytvoří obrys, do kterého je vloženo vatelín, čímž vznikne zvýšený efekt. Tato technika vytváří texturovaný povrch na ploché tkanině, což dává iluzi, že lidské šaty vyčnívají skrz šaty. To způsobilo skandál, protože šaty byly vyrobeny z elastického materiálu, který přilnul k pokožce. Fantazie Daliho obrazů a kreseb byly ztělesněny v neskutečném světě Schiaparelliho outfitů, které dodnes působí nesmazatelným dojmem na diváky i designéry.

4. Yves Saint Laurent: Souboj umění a inspirace

Kde je hranice mezi napodobováním a oceněním? Kritici, publikum, umělci a designéři se snažili určit, kde tato linie vede. Když však došlo na Yvese Saint Laurenta, jeho úmysly nebyly nic jiného než lichocení a obdiv k umělcům a obrazům, které používal jako inspiraci. Při pohledu na své rozsáhlé portfolio se Saint Laurent inspiroval kulturami a uměním z celého světa, které úspěšně začlenil do svého oblečení.

Ačkoli se Yves nikdy nesetkal s umělci, kteří ho inspirovali, nezabránilo mu to v tvorbě uměleckých děl jako projevu úcty k nim. Laurent čerpal inspiraci od umělců jako Matisse, Mondrian, Van Gogh, Georges Braque a Picasso. Byl sběratelem umění a sbíral obrazy Picassa a Matisse, které visel ve svém domě.

Yves vzal některé z uměleckých motivů a proměnil je v ohromující oblečení, které vzdává poctu některým z jeho oblíbených umělců. Šedesátá léta byla dobou revoluce a komerce, novou érou módy a umění. Saint Laurentovy projekty získaly komerční úspěch, když začal čerpat inspiraci z pop artu a abstrakce. V roce 1965 vytvořil dvacet šest šatů inspirovaných abstraktními malbami Piet Mondrian. Šaty ztělesňovaly Mondrianovo použití zjednodušujících tvarů a odvážných primárních barev. Yves použil techniku, kdy mezi vrstvami látky nebyly vidět žádné švy, což působilo dojmem, že oblečení je jeden celý kus. Saint Laurent vzal Mondrianovo umění z dvacátých let minulého století a vzhledem k šedesátým létům ho učinil nositelným.

Módní šaty jsou klasickými příklady stylu 60. let. Byly podobné oděvům z 20. let 20. století, které byly méně omezené a měly rukávy a spodní lem, které obnažovaly velké skvrny na kůži. Díky čtvercovým siluetám svatého Laurenta se ženy cítily lehké a svobodné. To ho také vedlo k inspiraci umělci pop -artu, jako jsou Tom Wesselman a Andy Warhol. Vytvořil řadu návrhů inspirovaných pop artem, které na jeho oblečení představovaly siluety a výřezy. Šlo o překonání omezení toho, co je abstrakce v umění, a komercializace designu. Laurent spojil tyto dva nápady dohromady, aby vytvořil oděvy pro ženy, které jsou zdarma a atraktivní pro moderní dámy.

Bundy Vincenta Van Gogha od Saint Laurenta jsou příkladem toho, jak Yves spojil inspiraci umělce s vlastním designovým talentem. Stejně jako jeho ostatní oděvy, témata související s umělci nebyla kopírována a vložena na oděv Saint Laurent. Místo toho se rozhodl použít je jako zdroj inspirace a vytvářet kousky, které odrážejí jeho vlastní styl. Bunda je ukázkou stylu 80. let, který je vyšíván slunečnicemi v malebném stylu Van Gogha.

Laurent spolupracoval s Maison Lesage, lídrem v haute couture výšivce. Bunda „Slunečnice“je vyšívaná trubkovitými korálky. Květy jsou plné různých odstínů oranžové a žluté jiskry. To vytváří vícerozměrnou texturu podobnou Van Goghově technice nanášení husté barvy na plátno. Odhaduje se, že je to jeden z nejdražších předmětů haute couture, jaké kdy byly v Christie's vyrobeny a prodány za téměř čtyři sta tisíc eur. Saint Laurent vydláždil cestu pro nošení oblečení jako uměleckého díla sám o sobě, bez ohledu na módu a časové období.

Pokračování v tématu, přečtěte si také o co vedlo Saeko Yamaguchi k úspěchu, čímž se stala jednou z nejoblíbenějších múz Kenzo a Yamamoto.